La leyenda dice que un guardián espectral fue invocado a través de una extraña flauta con el fin de proteger la ciudad de Misthallery en los momentos de necesidad. Esa misma leyenda consiguió que el profesor Layton se desplazara a dicho lugar hace años, produciéndose así el primer encuentro entre Layton y Luke.
El profesor había recibido una carta de su viejo amigo Clark Triton, en la que le pedía ayuda en un caso de lo más peculiar. Según parecía, un malvado espectro estaba destruyendo las casas de la ciudad, durante la noche, al son de una flauta. Naturalmente, el profesor no tuvo ningún problema para descifrar el mensaje secreto que la misiva incluía... Bueno, ¡para que contaros más! ¡Descúbrelo por ti mismo!
Bravest Warriors nos explica la vida de unos astronautas y nos descubre planetas y alienígenas de todo tipo. Bravest Warriors es para Hora de Aventuras lo que Futurama ha sido para Los Simpsons.
Lo más curioso de este título es su origen.Bravest Warriorsno es la adaptación de una serie de televisión… Bueno, igual sí pero no. Me explico. La más reciente encarnación deBravest Warriorsno ha nacido en la televisión sino en Youtube, porque los de Google han financiado un programa de 100 millones de dólares llamado YouTube Original Channel Initiative con el que pretenden incorporar material original a la página de vídeos. Gente tan famosa como Madonnao Shaquille O’Nealhan participado en la iniciativa, peroPendleton Wardtiene el honor de ser el primero en incluir una serie animada: ¡Bravest Warriors! La aventura en Youtube de este título empezó el ocho de noviembre de 2012 y hasta ahora se han “emitido” seis episodios, a cada cuál más entretenido. Y este habría sido el origen de la serie si no fuese porque el piloto deBravest Warriorsse creó en el 2006 y fue emitido en el 2009, un mes después de la emisión del piloto deHora de Aventuras. Digamos que Ward ha hecho reciclaje de un producto que en su día fue desechado, así que el material que emite en Youtube es sólo un 90% original…
Sea como sea, el cómic es la adaptación de la serie de Youtube (que lo podéis ver en este canal), pero por cosas del tiempo y el espacio, salió a la venta antes del primer episodio animado. Más que nada para que podamos pasarnos horas discutiendo sobre si fue antes el huevo o la gallina… Para más inri, el primer ejemplar del tebeo salió a la venta el 24 de octubre pero el 12 de ese mismo mes hicieron una fiesta para celebrar la creación de la serie en la que ya se pudo adquirir el cómic en cuestión. En definitiva, que es muy difícil decidir cuál es la fecha exacta en la que nació la nueva versión de Bravest Warriors (la antigua fue en el 2009, o en el 2006, depende de cómo lo mires).
La premisa y los personajes
Bravest Warriors sigue las aventuras de cuatro héroes de alquiler, quinceañeros, que exploran el espacio exterior. Y no se necesita más premisa…
Los personajes, tal como se explican en el primer número, son los que siguen:
Chris Kirkman: quizás sea el más bravo de los Bravest Warriors porque no tiene miedo de anteponer la seguridad en la cocina. Está secretamente enamorado de Beth, pero no se lo ha dicho. De todas maneras, ¿quién no ha estado secretamente enamorado de sus mejores amigos?
Wallow:En realidad, Wallow es el más bravo de los Bravest Warriors porque no tiene miedo de dejar que sus amigos sepan que les importa, aunque esto no parezca “asombroso”. Además, puede aplastar como mil millones de libras, así que sé bueno, hermano. En su brazo izquierdo vive una I. A llamada Pixel. Las siglas significan inteligencia artificial, aunque a veces Pixel no actúa como tal.
Danny Vazquez: No sé en qué pensaba antes, Danny es obviamente el más bravo de los Bravest Warriors. Se ríe del peligro, aun cuando el peligro no le ha contado ningún chiste. Se ríe y ríe hasta que ve que eso le duele al peligro. Y entonces para porque se da cuenta que hacer daño a los sentimientos no es bravo. Y él está intentando ser mejor persona.
Beth Tezuka: probablemente sea la segunda más brava de los Bravest Warriors y no hay que avergonzarse de ello. De hecho, es muy bravo por su parte admitir que no es la más brava. ¡Oh no! ¿Y si es ella la más brava de los Bravest Warriors y esto no es más que falsa modestia? ¿Es brava la falsa modestia? ¿O la falsa modestia hace que ella sea la segunda más brava otra vez?
Además de estos héroes, en la nave aparece:
Plum: ella es no oficialmente la quinta de los Bravest Warriors. O es la más brava o la menos brava de todos. Ser bravo supone superar el miedo, ¿no? Plum puede que sea la criatura más poderosa de toda la existencia. ¿Hay algo que ella tema? Además, a veces tiene una cola de sirena, pero no se lo digas al resto. Siempre se les olvida. La memoria se vuelve borrosa alrededor de Plum. ¿Qué más? Oh, y ella tiene una segunda y vieja personalidad que vive en el otro cerebro de esta chica.
Como veis, la premisa no es para nada original. Recuerda a clásicos de la ciencia ficción como Star Trek o incluso Futurama, pero actualizados y remozados para la animación de todos los públicos. Aun así, lo realmente importante de esas series no es tanto la premisa como los personajes y los mundos que visitan y/o descubren, y en eso, la obra de Ward es superior a casi cualquier clásico de la ciencia ficción. Los héroes quizás tampoco sean lo más original de la serie, pero su forma de actuar, sus fobias, el uso de las dobles personalidades, las acciones absurdas, etc. todo eso hace que los personajes tengan unas dimensiones que difícilmente se encuentran en cualquier historia, sea o no de ciencia ficción.
Las historias
Por lo que respecta al cómic, Bravest Warriors es una miniserie de seis números pero está ideada como si en realidad fuesen seis números unitarios relacionados entre sí (o eso parece con los tres que han salido hasta ahora). Por lo tanto, no importa cuál sea el primer número que leáis de este título, siempre entenderéis la historia sin ningún tipo de problemas. La verdad es que este nivel de accesibilidad es muy difícil de encontrar en los tebeos de la actualidad y, por supuesto, es de agradecer.
El primer ejemplar sirve un poco como presentación de personajes y la acción transcurre casi toda en la nave. A pesar de eso, el número es sorprendente porque ya introduce el humor absurdo y los seres fantásticos que tan bien hila Ward.
Este es el inicio de la batalla más cruel jamás contada.
En los siguientes números, la aventura se centra en un mundo de payasos, pero se da un tratamiento tan diferente a cada ejemplar que lo que decía de la accesibilidad es toda una hazaña. Si el segundo episodio se centra en las fobias de uno de los Bravest Warriors, el tercero trata sobre monstruos y zombis. Como en el debut, Ward y compañía introducen elementos impagables, como el conejo vampiro que se come a un alienígena del futuro con forma de hortaliza. Son todos esos elementos los que hacen de esta serie una obra única e inimitable.
Y, además, el nivel de las historias va in crescendo. A medida que avanzamos en la lectura y empezamos a sentir apego por los personajes, sus acciones cobran nuevas dimensiones y lo que en principio parecía un poco gracioso pasa a ser completamente divertido. Es lo que tienen estas obras tan personales, a la que las entiendes, te llegan a lo más hondo del alma (a no ser que seas un conejo vampiro sin alma, claro. Aunque no tengo muy claro si los conejos vampiros tienen o no alma. ¿Y los cupcakes? Deberían tenerla porque si no, serían incapaces de tener formas espectrales).
Otro aspecto importante es que, como todas las series ideadas por Ward, Bravest Warriors incluye una historia principal y un complemento corto en el que algunos autores invitados dan su propia versión de los personajes. Son historias entretenidas que sirven para ahondar en la leyenda de los héroes, y no están nada mal ahora que tenemos tanto por descubrir.
El dibujo
El nivel gráfico es muy similar al de Hora de Aventuras, así que si conocéis la obra más famosa de Ward, ya sabéis a qué ateneros. Hay muy poco que decir del arte, por lo que me limito a poneros unas páginas de muestra y a daros algún detalle de las portadas: Igual que sucede con Hora de Aventuras, los cómics de Bravest Warriorsincluyen una miríada de portadas alternativas que son, como mínimo, auténticas obras de arte. No me extraña que los de Boom! empiecen a sacar recopilatorios de portadas. ¿No me creéis? Pues allá va la muestra.
Portadas de Malachi Ward,Tyson Hesse y Phil McAndrew.
Prácticamente desde su irrupción en el mercado, BOOM! Studios lleva intentando apoderarse de esa parcela huérfana que es el mercado de cómics para los más pequeños. Su primer intento fue mediante la adquisición de licencias con el tirón comercial de las películas de Pixar, los Muppets y Fragle Rock de Jim Henson y otras franquicias superventas de la todopoderosa Disney (incluyendo títulos tan nostálgicos como el Pato Darkwing oDuck Tales). La compañía lo tenía todo a su favor, incluyendo el talento de guionistas como Roger Langridge y Mark Waid, pero la repentina fusión entre Disney y Marvel Comics los dejó en paños menores con una línea destinada a devolver el medio a sus legítimos dueños que se había quedado sin series para recuperar el favor del gran público.
Buscando una solución de emergencia, los directivos de BOOM! llegaron a un acuerdo con Frederator Studiospara sacar un nuevo comic inspirado en una extravagante serie de animación que estaba triunfando en Cartoon Network. Pese a que la editorial confiaba en que la serie tuviese suficiente gancho como para funcionar entre sus aficionados, no se dieron realmente cuenta del monstruo que tenían entre las manos hasta que el primer número agoto tres tiradas consecutivas. Actualmente, Hora de Aventuras es la franquicia más exitosa de la editorial así como una de los cómics más vendidos dentro del mercado independiente americano. Estos son los títulos que la conforman:
Hora de Aventuras
Al igual que la serie homónima de televisión, este cómic de publicación mensual narra las aventuras de Finn y Jake en el delirante mundo de Ooo. Escrita por el creador del webcomic Dinosaur ComicsRyan North e ilustrada por la pareja de dibujantes formada por Shelly Parolline yBrandon Lamb, el tono dubitativo del primer arco de cuatro números quedaría completamente superado en cuanto el cómic se olvidaría de miedos y empezó a alzar el vuelo por su propia cuenta. La reiteración de momentos familiares se convertía en un componente terciario, potenciando sus propias virtudes mientras se atrevían a jugar con las paradojas espacio-temporales o los elige tu propia aventura sin ningún tipo de contención o mesura.
Que los responsables de las series prestaban mucha atención a las redes en general, y al mundo de los webcomics en particular, era patente desde mucho antes de que el Pony Obeso de Kate Beaton apareciese en el descacharrante episodio Los Ojos. Así que cuando BOOM! Studio le propuso a Pendleton Ward poner a North al frente del cómic de la serie, el creador de Hora de Aventuras se mostró más que conforme con la idea.
El que North fuera un entusiasta seguidor de la serie desde el corto original sin duda ayudó a que este no tuviera problemas a la hora de familiarizarse con el original. Declarado trekkie de pro, el guionista ha mostrado un gran cuidado a la hora de mimar detalles como la combinación de lenguaje tradicional y slang, buscando que su obra sea lo más fiel posible a la creación de Ward, y mantener el espíritu de la misma.
La conjunción entre aventura desatada con la calamidad de un bizarro desastre contínuo que pende sobre la vida de sus protagonistas fue lo que le enamoró por primera vez de la serie y en ese sentido, pretende conservarla en su forma más pura. Y aunque desde la productora le han dado libertad creativa para que cómic y serie de televisión se mantengan como productos separados, su aspiración es que cuando alguien se haga con cualquiera de los cómics lo que encuentre en ellos sea Hora de Aventuras y no un simple sucedáneo de la misma.
Acompañado por el matrimonio Parolline-Lamb, North se encarga de las historias centrales de cada cómic, con la colaboración de un nutrido elenco de artistas dispuestos a sumarse a la fiesta por medio de portadas e historias complementarias. Reuniendo a algunos de los talentos más interesantes de las escena independiente así como jóvenes promesas que aprovechan su afición por la serie para abrirse un hueco en el medio, nombres como Paul Pope, Michael DeForge o Chris Roberson participan en los relatos cortos dando protagonismo a personajes como la Princesa del Espacio Bultos o el Rey Hielo.
El que los dos primeros estuvieran vinculados a la serie durante su concepción probablemente ayudase a su participación en el cómic. En lo que respecta al tercero, el guionista de I, Zombie realiza su historia corta junto a su hija. No es el único que participa en la serie de forma familiar, sino que Tommy Lee Edwards y su hija también colaboraron con una portada cada uno.
La nieta del mítico John Buscema (que siguió los pasos como artista de su abuela) es otra de las que colaboran por medio de sus portadas, junto a nombres como Scott Campbell, Dave Cooper, Colleen Coover, Lilli Carré oKevin Wada. O en otras palabras, aparte del interés que puedan generar la diversión que ofrecen las propias historias, el contenido artístico adicional añade un atractivo extra a su adaptación a cómic.
Marceline y las Reinas del Grito
Estaba claro que, de entre todos los secundarios habituales de la serie, la primera en conseguir su propio spin off debía ser la vampiresa Marceline. Basada en una amiga de la infancia del propio Ward, la misteriosa reina vampiro de melena interminable se había convertido en uno de los personajes favoritos de los seguidores de la serie gracias a episodios como Deshauciadoso Vino de la Nochesfera.
Dejando a Finn y Jake en un segundo plano para centrar el protagonismo en ella y la Princesa Bubblegum, Marceline y Las Reinas del Grito las obligaría a lidiar con sus diferencias de carácter, embarcándolas en una surrealista gira musical por el colorista escenario de Oooo. Rodeadas por un elenco de personajes que incluye a nuevos secundarios y algún que otro viejo conocido, la miniserie puede ser la más sobria de las surgidas a raíz del éxito de la franquicia, pero también la que más se aleja del tono de la obra original. Potenciando a los personajes por encima del humor disparatado, esta suerte de Road Movie musical en la que la banda debe hacer frente a problemas como la mala prensa o la búsqueda de patrocinadores, es fruto de la creadora del webcomic Octopus Pie, Meredith Gran.
Encargándose de guión y dibujo, Gran se mueve con acierto entre el tono habitual de sus tiras online y el humor para todas las edades, brindando una relato que perfectamente podría haber surgido completamente al margen del universo de Hora de Aventuras. Sin embargo, este cobra un encanto añadido al crecer en torno a la difícil relación entre Marceline y la princesa, potenciando su propio tono con la ayuda de una colección de portadas que despertarían la envidia de Scott Pilgrim, así como un repertorio de historias cortas a cargo de varios talentos de la estela indie.
De entre ellas destaca un ingenioso relato sobre las dificultades de la comunicación fruto de la magia de Polly Guo(artista que -no se como- todavía no están rifándosela las grandes) así como la emotiva Resurrection Song de Jen Wang (Koko be Good). Otras como la inclasificable Coffin Break de Rick Tomasso (autor de la serie de novelas gráficas The Cavallier Mr. Thompson) o la aportación de los creadores de Johnny WanderYuko Ota y Ananth Panagariya ayudan a crear un espíritu coral, en el que la única pega es que no haya una cuenta en Soundcloudasociada para disfrutar paralelamente de las canciones.
Fionna y Cake
Quien sabe si por el vendaval de emociones contradictorias que genera ponerse en la piel de los distintos protagonistas de una historia o como producto de una fijación fetichista tirando a morbosa, el intercambio y la confusión de género es una fantasía profundamente arraigada en nuestro subconsciente. Eso lo sabe cualquiera que pertenezca a una región que sea aficionada a los carnavales, pero en el campo de la ficción, este concepto ha servido para dar pie a infinidad de relatos desde el Tiresias de la mitología griega hasta el Orlando de Virginia Woolf, pasando por Ramma 1/2 o Victor o Victoria.
Siempre atentos al fenómeno fan y todo lo que suele surgir del mismo, los creadores de Hora de Aventuras se atrevieron a entrar en el juego tras el revuelo provocado por unos bocetos mostrados por Natasha Allegri en el blog de la serie. En ellos podía verse a una versión femenina de Finn acompañada por una gata cola mullida suyo nombre era sospechosamente parecido al de la gata de la propia Allegri (Pancake). Pudiendo antojarse como una suerte de personificación de la diseñadora de personajes en el protagonista de la serie, tras aquellos primeros diseños llegarían otros tantos con las versiones de género inverso de la Princesa Bubblegum, Marceline o el Rey Hielo.
La sorpresa llegaría cuando en la Comic Con de San Diego, Ward y su equipo mostraron un adelanto de un episodio protagonizado por Fionna y Cake en el que todos los personajes habían sido cambiados de sexo, y Natasha ocupaba el lugar del creador de Finn & Jake en la canción de la intro. Parte de la tercera temporada, el capítulo fue una enorme broma a costa de las convenciones de género y los propios aficionados, que contaría con la participación de Neil Patrick Harris y Donald Glover, así como con un descacharrante final que quedaría para el recuerdo.
Ahora, Fionna y Cake tienen la oportunidad de regresar en forma de viñetas con una nueva miniserie que cuenta con los guiones y el dibujo de su propia creadora. El primer número de la misma salió a la venta el miércoles pasado encandilando con su secuencia inicial a todos los que pusieran sus manos sobre el cómic.
Contando con un amplio repertorio de colaboraciones de artistas de la estela independiente así como una amplia gama de portadas a juego (siendo especialmente divertido este homenaje a cierta saga de videojuegos). Antes de dar rienda suelta a sus inquietudes comiqueras con la miniserie, Allegri ya venía deleitando a sus seguidores con varias tiras personales protagonizadas con la indómita muchacha y su compañera de aventuras.
Jugando con Fuego
Aparte de estas dos miniseries, Hora de Aventuras contará con una novela gráfica con un formato similar a los Mangas que nos llegan desde el lejano oriente o el Scott Pilgrim de Bryan Lee O’Malley. Con 160 páginas de contenido y un rigurosa ausencia de colores más allá del básico blanco y negro, la historia se adentra en la relación entre Finn y la Princesa Llama tras la fuga de esta del reino de su padre.
La novela pretende usar el lapso entre la presentación de la volátil muchacha en el divertido episodio Incendio (¡Eucalipto!) y su posterior reaparición para narrarnos sus primeras aventuras junto a Finn y Jake. Sirviendo de excusa para hacer las delicias de los seguidor del peligroso romance floreciente entre Finn y la Princesa, veremos como se fragua la peculiar relación entre este modernoPeter Parker y su más reciente interés amoroso.
Con la imposibilidad del contacto físico como principal handicap pero mucha imaginación y entusiasmo para intentar sobrellevarlo, la pareja vivirá sus aventuras bajo la batuta de la guionista Danielle Corsetto, creadora del acalamado -y más que recomendable- webcomic Girls With Slingshot. Junto a ella estará el dibujante Zack Sterling, quien ya tuvo sus primeros contactos con el universo de Pendleton Ward en Hora de Aventuras y Bravest Warriors. Solo deseamos que el resultado sea tan vistoso como esas Sailor Moons punk de su cuenta en DeviantArt o cualquiera de los diseños de su Tumblr o su portafolio.
Prosiguiendo con la tradición de la línea de dar cancha a talentos emergentes, la serie contará con las portadas de la joven y prometedora dibujante Stephanie Gonzaga. ¿Logrará Finn que Jake le ayude en esta ocasión?
La serie de Pendleton Ward nación como un corto animado producido por Frederator Studios a finales de 2008. La compañía dirigida por el agudo ojo de Fred Seibert tenía en mente realizar una colección de cortos a la antigua usanza para Nickelodeon y usarlos para tantear el mercado en busca de nuevos talentos. A cargo de un nutrido grupo de artistas que acababan de completar su formación académica y sin conexión alguna entre ellos, de la inciativa surgirían series como Fanboy and Chum Chum y la que nos ocupa en este preciso momento. Los encantos de Hora de Aventuras tardaron su tiempo en hacer sus efectos entre los directivos de Cartoon Network; pero hoy, son una de los principales pilares de la cadena. Siendo posible gracias al esfuerzo de un nutrido elenco de dibujantes, guionistas, animadores y similares, hay mucho arte oculto detrás de la elaboración de Hora de Aventuras:
Pendleton Ward
Este treintañero novicio de barba luenga y aspecto de haberse fugado de una película de Wes Anderson (lo que explicaría sus estravagantes universos visuales) es la mente que daría vida a ese fenómeno animado en el que ha terminado convirtiéndose Hora de Aventuras. De origen texano e hijo de una pintora abstracta, la vida de Pendleton Ward cambió cuando siendo todavía un crío, su madre le presentó a Matt Groening (creador de los Simpsons).
Aquel encuentro le impulsaría a cumplir su sueño de convertirse en dibujante, lo que le llevaría hasta la dorada tierra de California. Allí, Ward cursó sus estudios en la prestigiosa Cal Art (la Universidad de Bellas Artes del estado para entendernos), donde compartiría clase con J.G. Quintel mientras se especializaba en animación de personajes y realizaba una cantidad obscena de folioscopios. Allí daría vida a su primera creación animada Bueno The Bear, que aunque el mismo describe como un “desastrosa”, acabaría convirtiéndose en su imagen de marca (pudiendo considerarse la primera versión preliminar de Finn). Durante esta etapa, Ward concebiría la base original de Hora de Aventuras cuando Nickelodeon se presentó en la universidad para evaluar sus talentos.
Pese a no ser uno de los afortunados, Ward no se desalentaría y tras graduarse volvió a probar suerte con la de Seibert. Por entonces, Frederator Studios se encontraban en pleno proceso de elaboración de Random! Cartoonsy y aceptaban cualquier corto de siete minutos que encajase con lo que buscaban. Dado que no tenían en cuenta la procedencia, el currículum o el aval de los artistas, Ward probó suerte a pesar de que no había escrito un storyboard en su vida.
Pese a lo verde que estaba, el resultado convenció a Seibert y compañía, incluyendo dos de sus trabajos en la iniciativa Random! Cartoons. Entre dichas propuestas se encontraba un disparatado corto centrado en las peripecias de un hiperactivo crío de 13 años y un perro mágico, tan frenéticamente aleatorio que en apenas siete minutos pasaban de bailar alocadamente a salvar una princesa de un malvado mago de hielo, para luego viajar a Marte y reunirse con Abraham Lincoln o enfrentarse a unos ninjas. En su segundo conato, Hora de Aventuras cobraba vida convirtiéndose en un éxito viral a través de Internet, donde marcianada obtendría un millón de visitas en apenas doce meses y fue nominada para los premiosAnnie.
La imagen inicial a partir de la cual desarrolló el corto consistía únicamente en un crío de 12 años con un sombrero de oso, sentado junto a su bulldog sobre un bote en un lago. Convirtiendo a aquel crío en una suerte de idealización de su infancia, Ward lo bautizó con su nombre y desarrolló todo un alocado mundo de fantasía como una lluvia de ideas en la que todo podía pasar.
Pero a Ward todavía le quedaba mucho por pulir, y durante el transcurso de dicho año trabajó para Cartoon Networkcomo parte del equipo de storyboards en Las Maravillosas Desventuras de Flapjack. Sirviéndole para desarrollar su estilo, durante aquella época se reencontraría con Quintel y conocería a futuros colaboradores como Casey James Basichis, Adam Muto o Niki Yang. Empleando un método de trabajo mediante el cual los responsables de los bocetos ejercían a su vez de guionistas a partir de una premisa básica, el tiempo durante el que formo parte de la teleserie animada de culto de Thurop Van Orman le permitió implicarse en distintos aspectos de la producción, familiarizándose con los entresijos de la industria. La libertad creativa que Orman ofrecía a su equipo, animándoles a participar en todo lo que deseasen mientras describía la producción de la serie como una “fábrica de diversión”, fue determinante para la carrera posterior de Ward.
A lo largo de aquellos años, Pendleton trató de conseguir apoyo para llevar a cabo su obra sin demasiado éxito a pesar de contar con el respaldo de Seibert. Visto en perspectiva, el creador de Hora de Aventuras piensa que aquel corto era un producto muy difícil de vender, ya que en él únicamente se veía a un par de amigos pasándoselo en grande en un entorno surrealista y nadie invierte millones sin tener muy claro la viabilidad de un proyecto. Sin embargo, estaba claro que aquello tenía algo, por lo que tras recibir dos negativas de Nickelodeon, decidieron probar suerte con Cartoon Network.
Parte de la biblia original de la serie
Nadie entendía muy bien porque aquel corto había tenido tanto tirón en las redes, pero su endiablado dinamismo repleto de bailes que no venían a cuento de nada, frases ingeniosas e ideas chifladas tenía encanto. Así que le propusieron realizar un par de storyboards para un episodio o dos, no a partir de un guión, sino de la misma forma que había estado trabajando con Orman. El resultado fue una biblia con las principales bases de la serie así como el primer borrador de El Enchiridion. Con la ayuda de Adam Muto y su compañero de estudios Patrick McHale, Ward creó una historia en la que Finn y una distraída Princesa Bubblegum tenían una cita para comer espaguetis.
Sin embargo, el que potenciase tanto el aspecto romántico no acababa de convencer a la compañía, por lo que le propusieron algo más cercano al corto original. Pen y sus chicos tomaron la indicación al pie de la letra y el resultado fue el episodio que finalmente conoceríamos, con un caótico y multitudinario baile al comienzo, imposibles aventuras contra criaturas absurdas, toneladas de ingenio e incluso un momento “Arbaham Lincoln” que se vería reducido al billetazo del ogro. Ward cambió detalles como el nombre del protagonista (pasando dePen a Finn porque, según él, no quería acabar viendo su nombre convertido en Merchandaising) y aunque opina que fracasaron estrepitosamente en su intento de emular la belleza de obras como Mi Vecino Totoro de Hayao Miyazaki, su combinanción entre dinamismo, imaginación desfasada y humor subversivo en la línea de Los Simpsons o Pee Wee’s Playhouse, daría fruto.
Primera prueba del segundo storyboard del capítulo original
Como muchos de nosotros, Ward creció devorando las peripecias de la familia creada por Matt Groening y, en ese aspecto, su sentido del humor esta fuertemente influido por Homer y los suyos. Su amor platónico de la infancia hacia Lisa Simpson es una de las razones que le llevan a crear personajes femeninos singulares de los que otros críos extraños como lo fue él puedan enamorarse. Hablando de como el gag en el que Bart describía a su padre como una criatura “mitad hombre, mitad simio” se quedó grabado en su cabeza haciéndole estallar a carcajadas durante décadas, no puede evitar pensar en lo abrumador que es saber que su serie será el primer contacto con el humor de toda una generación. lega a ser pensar que vas a ser la primera diversión de toda una generación. Esto sirve a su vez de motivación para esforzarse en dar lo mejor de si mismos en cada episodio.
Creciendo sin tele por cable, show animados de Fox y DiC comoHammerman, Pro Stars, Visionarieso cualquier otro que implicase héroes con poderes fantásticos fueron los que marcaron su infancia. En los 90, el Capitán Planeta les impulso a querer salvar el mundo (aunque no duda en describirla como “basura”) mientras series como Beavies & Butthead, Ren y Stimpy, AeonFlux o la citada obra de Matt Groening le seducían. Actualmente,Bob’s Burger se ha convertido en una de sus series favoritas destacando además como Home Movies le inspiró a intensificar la forma en la que se relacionaban los personajes y The Office le sirvió para refinar su humor.
Pero otra de las pasiones de la infancia del creador de Hora de Aventuras que ha tenido un fuerte impacto sobre su creación han sido los videojuegos. Ward tiene una página dedicada a ellos, hablando de de haber pasado más tiempo jugando aAltered Beastde lo que era normal. Luego descubriría los primeros Sonic, la sagaMyst, losshooters en primera persona de Tron, elMoonwalkerde Michael Jackson o el entrañable juego de la NESA Boy and His Blob. Este último quizás explique muchas cosas de la dinámica entre Finn y Jake. De los más recientes, la saga Fallout se ha convertido en uno de sus favoritos (inspirándole para un futuro episodio). Pero el detalle más excéntrico en torno a su afición, es que uno de sus grandes sueños es entrevistar al doblador de Super Mario Bros, Charles Martinet.
Clásicos del rol como Dragones y Mazmorras también han tenido una fuerte influencia en su carrera, tomándolos como modelo a la hora de construir un entorno que funcione bajo una serie de reglas a pesar de toda la magia y su surrealismo intrínseco. Creando un mundo con una consistencia interna que se aleja de las caricaturas slapstickhabituales, Ward compara escribir la serie con jugar una partida a la famosa creación de Gary Gygax y Dave Arneson. Detalles como la decoración que suele poblar las catacumbas y calabozos, e incluso episodios completos como Sangre Bajo la Piel han surgido de sus partidas de rol.
Amante de los cómics, el creador de Hora de Aventuras es un ferviente seguidor de Los Muertos Vivientes de Robert Kirkman y su adaptación televisiva, pero no más de lo que fue del clásico del bande dessinée La Mazmorra(Donjon) de Joann Sfar y Lewis Trondheim. Ward tiene en especial estima la habilidad de Sfar para inundar sus mundos fantásticos con diálogos conversacionales mundanos, un rasgo tan único como delicioso que probablemente haya influido en su obra. Zot! de Scott McCloud y los trabajos de Derek Kirk Kim, Jason Turner y Gene Luen Yang también está en sus predilecciones, pero Sfar siempre será la principal referencia para él.
Aficionado a acudir las convenciones de cómics, el que varios de los miembros de su equipo provengan de la esfera independiente es una buena muestra de su afición por dicho medio. Sin embargo, Ward asegura que esto es algo meramente casual y que su presencia en los certámenes es meramente como aficionado. El que algunos de sus colaboradores tengan paralelamente carreras en la industria del cómic es únicamente fruto de la cercanía entre ambos medios. Y sin embargo, no puede evitar recalcar lo mucho que se han beneficiado con la presencia de estos autores, así como el salto cualitativo que dio la serie cuando estos comenzaron a insuflarle ideas extrañas y estimulantes a partir de la tercera temporada.
Con un estilo que muchos asemejan con el clásico Félix el Gato de Max Fleischer, siempre que hace mención a sus referentes sitúa en un lugar especial a sus amigos y compañeros de trabajo. Desde que estudiaron juntos en la facultad de bellas artes, McHale y Somvilay Xayaphone marcaban el estilo que siempre ha querido conseguir, de la misma forma que igualar la expresividad del dibujo de Julian Narino o el sentido del humor de J.G. Quintel ha estado entre sus aspiraciones.
Pero esto no es sino reflejo de la naturaleza coral de una serie fruto de un elenco sin par de talentos. Estimulándoles a dar rienda suelta a su ímpetu creativo de la misma forma que le alentaron a él mientras fue parte del staff de Las Maravillosas Desventuras de Flapjack, Ward describe al equipo como una familia increíblemente inteligente y talentosa. Destacando la labor del director artístico Nick Jennings a la hora de orquestarlos a todos, el creador de Hora de Aventuras ha contado con la colaboración estrecha del veterano director de animación Larry Leichliter y los guionistas Kent Osborne (Uncle Kent), Cole Sánchez (Las Maravillosas Desventuras de Flapjack),Nate Cash (Bob Esponja), además de los ya citados McHale y Adam Muto.
Este último ha terminado convirtiéndose en uno de los miembros imprescindibles del staff, aumentando su rol desde la primera temporada hasta convertirse en uno de los principales guionistas junto a Ward y Osborne, así como en el director creativo de la serie y una suerte de portavoz no-oficial en constante contacto con los aficionados. La mayoría de los citados (y otros de los que hablaremos más detenidamente) llevan formando parte del equipo de Hora de Aventuras desde sus comienzos, e incluso los que ya no forman parte regular de staff continúan colaborando con ellos siempre que tienen ocasión.
Algunos de los referentes de Ward
Ward asegura que la disparidad de las voces que dan forma a la serie es patente en el resultado final, y que es fácil apreciarlo a través del trazo o los tratamientos que tienen los personajes de un episodio a otro. Para muchos, esto restaría consistencia al acabado final, pero para él es algo positivo que enriquece el producto final con la personalidad de cada uno de ellos y transmite una sensación de cambio necesaria para mantenerla fresca.
Describiendo la concepción de la primera temporada como un auténtico caos en el que tuvieron que dar vida a 26 episodios en un tiempo record mientras trataban de contentar a todo el mundo (lo que le inspiraría a escribirMemorias del Monte Boom Boom), el creador de Hora de Aventuras siente que han conseguido capotear el temporal y hacerse con el timón. Teniendo muy claro que quieren contar y a donde llevarla, que en una serie originalmente planeada para narrar las aventuras de Finn y Jake se puedan permitir realizar capítulos centrados en personajes tangenciales en los que los protagonistas apenas salen como fue el caso del galardonado Gracias, es una buena muestra de la libertad que gozan actualmente.
En la intro original, Finn y Jake luchaban contra numerosos monstruos antes de que verse sorprendidos por una lluvia nuclear
Respecto al tono que buscan, el principal objetivo de Ward y su equipo es crear historias que resalten por su belleza y que gusten a todo el mundo pero -principalmente- a los más pequeños. Su principal regla para conseguirlo es que hacer lo que a ellos les gustaría ver, o lo que les hubiera gustado de pequeños. Y aunque en ocasiones puede haber discrepancia y algunos guionistas pueden preferir relatos más sórdidos que otros, todos tienen claro que la única limitación no caer en lo grotesco y que fuera de ahí, todo vale.
En ese sentido, Ward no ve ningún problema en mezclar humor para críos y humor para adultos, dado a que ellos mismos crecieron adorando ese tipo de series en las que disfrutaban viendo cosas que se suponía que no debían ver y lo consideran algo natural. Además, su intención es abarcar a todo tipo de públicos sin excluir a nadie, por lo que usar dobles sentidos que pasarán desapercibidos a los más pequeños o hacer referencia a conceptos como los hipercubos es parte de la magia de introducir conceptos con los que muchos niños entrarán en contacto por primera vez. Sin embargo, en la mayoría de las ocasiones ni siquiera actúan de forma deliberada y no se preocupan por cuando decantarse por un tipo de humor y cuando por otro. Simplemente intentan sorprenderse a si mismos, y el resto viene sobre rodado. El riesgo en pasarse de la raya siempre está presente, pero lo último que quieren es acomodarse dentro de lo establecido condenando a Hora de Aventuras al sopor. Su objetivo último es ser divertidos, y aunque a veces eso implica flirtear con lo que no esta permitido, saben que nunca lo llevarán más allá de la cuenta.
Alteregos animados de Adam Muto, Pat McHale y Rebecca Sugar
Ward dice adorar las historias que hacen que uno se sienta bien, pero tampoco tiene problemas para incluir elementos oscuros, dado a que -según sus propias palabras- de pequeño le encantaba esa sensación de miedo y diversión simultáneamente. Amante de la literatura de Lovecraft, el cine de David Lynch y el cine de terror oriental, son sus principales referencias a la hora de introducir elementos perturbadores o terroríficos en sus historias. Amante a su vez de las sagas apocalípticas en la línea de Mad Max, la inclusión de estos elementos no surgieron como algo premeditado, sino que fue producto de la reinvención constante de la serie. En el episodio Hora de Empresarios, Finn y Jake encontraban a un grupo de hombres de negocios zombificados atrapados en un iceberg. Entonces se les ocurrió la idea de que la trama global se desarrollase en un trasfondo apocalíptico y desde entonces llevan potenciando dicho aspecto.
Pero si bien el creador de Hora de Aventuras no quiere que la serie sea demasiado sórdida para los espectadores más menudos, tampoco quiere pecar de lo contrario y que esta sea demasiado tonta como para que puedan disfrutarla los mayores. Es por ello que a pesar de ese estilo faux-na’f de la misma, hayan renunciado a muchos de los clichés como las voces caricaturescas (únicamente presentes en personajes como el Rey Hielo y algunos secundarios) así como roles básicos del género como el personaje estúpido o el secundario irritante. Todos los habitantes de su mundo tienen muchos más matices de lo que se aprecia a simple vista, alejándose de la caricatura slaptick para aproximándose al realismo mágico.
En esta misma línea, el creador de la serie intenta evitar que los personajes lloren o fuercen sus reacciones más allá de cuando es estrictamente necesario para evitar caer en el melodrama y transmitir verdadera relevancia a los momentos en que esto ocurre. Otra muestra más de como sus intenciones son mantener la serie encarrilada en una vía muy concreta y que esta sea lo más cercana a los gustos del respetable.
Seibert describe a Ward como un genio con un talento único para captar la lógica de los más pequeños de forma de que sus historias avancen con un ritmo endiablado, dando lugar a infinidad de acontecimientos en los escasos 11 minutos que dura cada episodio. Destacando como un producto como este difícilmente podría haberse desarrollado antes del auge de los videojuegos, el productor de la serie describe que la implicación del creador de Hora de Aventuras con la misma llega a tal punto que no es raro encontrarlo dormido en las oficinas a la mañana, tras haber pasado toda la noche trabajando en la misma.
Entre sus planes de futuro, Ward pretende continuar desarrollando el trasfondo del mundo de Ooo mientras sus protagonistas siguen madurando. Más allá de esto, y de que le gustaría que Tom Waits pusiera voz a un nuevo personaje, declara que sus principales planes pasan por… no tener planes. Y es que aunque sabe bien que a los aficionados nos reconforta pensar que los autores tienen su obra controlada al milímetro, su modo de ver la serie es como una improvisación tan constante como la vida en la que todos los implicados participan y no hay final ni plan conocido. Volviendo a usar el ejemplo de los juegos de rol, afirma que cuando escribe sus historias su intención no es llevar al personaje de un punto A a un punto B, sino ponerse en su pellejo e imaginar como reaccionarían a una situación concreta y, a partir de ahí, dejar que las circunstancias sean las que los hagan crecer.
Ward no se considera a si mismo como un artista sino como un hombre de espectáculo especializado en divertir a la gente. Manteniéndose dentro de un perfil sencillo y sin demasiadas ambiciones, su máxima aspiración es crear historias que hagan a los espectadores felices. No lo querría de otra manera porque para él, resulta más satisfactorio lo que hace dado a que le permite llegar a un mayor número de personas, mientras que el arte es algo específico y emocional. Su mayor preocupación actualmente es continuar explorando sus límites sin acabar realizando ese salta del tiburón que pudiera poner fin a la deliciosa situación en la que se encuentran actualmente.
Continuando al frente de la serie mientras traslada su segundo corto (Bravest Warriors) al formato de web y se divierte con sus Animation Pals junto a Ian Qaterly, Ward reconoce que su carrera en la industria de la animación ha sido algo logrado sobre la marcha en la que en la mayoría de las ocasiones se ha limitado a tocar de oído. De momento su andadura le ha llevado hasta donde esta ahora pero sin tener muy claro donde acabará. Lo que si tiene por seguro es que está aprendiendo mucho por el camino, recomendando a todo el que esté interesado en abrirse paso en la industria que se siente en su mesa y dedique todo el tiempo que pueda a los lápices. Su trabajo será la mejor forma de venderse ante una industria que -pese a aparentar que tiene la sartén por el mango- está realmente desesperada por encontrar nuevos talentos de los que pueda nutrirse. Lo único que lamenta entre bromas es que si bien de pequeño le habría gustado ser como Finn, actualmente guarda más similitudes con el Rey Hielo cambiando los pingüinos por sus dos tortugas.
Sin embargo, la serie difícilmente podría haber llegado a convertirse en el fenómenos que es hoy si no fuese por la contribución de la joven y polifacética artista Rebecca Sugar. Originaria del estado de Maryland y formada en la Universidad de Nueva York, Rebecca comenzaría a destacar con apenas veinte años gracias a un trazo que combinaba el regusto del cartoon clásico al más puro estilo de los Merry Melodies con cierto toque febril a lo Bill Plympton.
Sus iconoclastas dibujos plagados de ternura adorablemente incómoda continuarían ganando adeptos con el galardonado corto académicoSingles y sus primeros pinitos en el noveno arte con la novela gráfica Pug Davis. Su reclutamiento como historietista por parte de los responsables de Hora de Aventuras la catapultarían definitivamente al estrellato, ingresando -en apenas dos años- en la lista Forbes con los 30 menores de 30 años más prometedores de la industria Hollywoodense.
No es para menos si tenemos en cuenta que algunos de los episodios mejor acogidos han salido de su imaginación. Suya fue la primera nominación deHora de Aventuras a los premios Emmy con el capítulo Vino de la Nochesfera. Pero lejos de contentarse con su aportación a los guiones, Rebecca ha contribuido activamente al aspecto musical de la serie componiendo la mayoría de las canciones de la vampiresa Marceline y otras tantas más.
Sugar es una gran aficionada a la saga de videojuegos Zelda, y la principal responsable de que la impronta de estos se note tanto a lo largo de la serie. Tras cuatro temporadas y pico como uno de los pilares de la serie, la artista emprende ahora una nueva aventura profesional al frente de una nueva creación bajo el título Steve Universe. Centrada en la transición a la madurez del miembro más joven de un grupo de guardianes universales, la artista tendrá el honor de convertirse en la primera mujer en recibir luz verde por parte de Cartoon Network para llevar a cabo un proyecto propio. Algo especialmente relevante si tenemos en cuenta que con ella, se da además el caso de ser una artista que cuenta con un ferviente grupo de fans incluso antes de crear un proyecto propio, algo completamente insólito hasta el momento.
Por si queréis saber más de su trabajo, abajo os dejamos una pieza musical compuesta para Incendium
Fascinada con los cómics desde su más tierna infancia, Natasha Allegricreció soñando en seguir los pasos de sus ídolos y dedicarse a su gran pasión. Sin embargo, un encuentro con el creador de Hora de Aventuras en las redes acabaría propiciando que acabase metida de lleno en el mundo de la animación convirtiéndose en la diseñadora de personajes de la serie durante las dos primeras temporadas.
Citando la Sailor Moon de Naoko Takeuchi y la Antología de Rumiko Takahashi como sus principales influencias, su estilo de dibujo delicado y sinuoso cautivo a Pendleton War, quien confiaría en ella para dar vida a los extraños personajes que pueblan el mundo de Ooo. Con un estilo versatil que se mueve entre lo mejor de tres continentes, la artista cuenta entre sus principales aportaciones a la serie la creación de la versión con género inverso de Finn, Jake y compañía.
Al principio todo empezó como una simple broma a través de las redes, pero a la compañía le gustaron tanto los diseños que acabaron dando como resultado el travieso episodio Fiona y Cake. Allegri no solo tuvo la oportunidad de poner voz a la intro de aquel capítulo, sino que próximamente podrá hacer realidad su sueño de probar suerte en el noveno arte con una miniserie centrada en esta versión alternativa de Hora de Aventuras.
Mientras, la artista continúa vinculada a la serie como supervisora de storyboards, actualmente prepara una nuevo trabajo web para el canal CartoonHangover bajo el título Bee & PuppyCat. Más arriba podéis ver una viñeta donde ella misma describe con humor su labor actual en Hora de Aventuras.
Continuando la tradición de series como Batman: The Animated Series o los clásicos de Tex Avery, el título de presentación de cada episodio es uno de los aspectos más mimados de Hora de Aventuras, hasta el punto de que es posible encontrar buen un puñado de pequeñas joyas entre todos ellos. El que muchos de los miembros del equipo de Ward fuesen aficionados a las añejas revistas pulp de misterio sería uno de los motivos determinantes por el que acabarían optando por perfilar los títulos a su imagen.
Sin embargo, fue el director artístico Nick Jennings quien dispuso el detonante necesario al bombardear al equipo con un sinfín de propuestas inspiradas en sus viejos cómics y magazines. El encargado de darles vida fue el responsable de la dirección de diseño de personajes Phil Rynda, un veterano artista gráfico ligado al campo de la animación y que durante su periplo en Cartoon Network había participado en la creación de series como The Venture Bros, Las Siniestras Aventuras de Billy y Mandy y Chowder.
Siguiendo las indicaciónes de Ward, Rynda realizaría los bocetos originales dejando que el artista Paul Linsley se encargase de darle un acabado al más puro estilo Frank Frazetta y Jennings de añadir ese toque con el que se conseguiría su sabor añejo. Durante los dos años y medio que estuvo al frente del equipo de diseño, Phil Rhynda fue el principal responsable de los ingeniosos títulos y otros aspectos del acabado gráfico de Hora de Aventuras.
“Uno de los aspectos más divertidos de formar parte de Hora de Aventuras fue trabajar en las “portadas” de los capítulos, una de mis tradiciones favoritas de los primeros tiempos de la animación. En la serie intentamos algo diferente aportando cierto empaque visual a cada episodio con algo un poco más “pulp” que el contenido del programa. Fue un reto en ocasiones y no siempre tuvimos tiempo para desarrollarlas como nos hubiera gustado, pero intentamos dar lo mejor de nosotros con ellas y quedamos gratamente satisfechos con el resultado”
Con un estilo tan versatil como nítido, basta zambullirse en la web personal de Rynda (America’s Favorite Uncle) para verse arrastrado a un viaje a través de la historia de la animación americana repleta de cuerpos globosos y sabor años cincuenta.
Citando a Harvey Kurtzman (MAD Magazine) y Jack Cole (el genialérrimo creador de Plastic Man) entre sus principales influencias, Rynda empezó como un joven aficionado a las aventuras de Spider-Man para acabar convirtiéndose en un artista fascinado con la obra de Jillian Tamaki (fijación que comparte con su esposa). Seguidor de los trabajos de Chester Brown y Chris Ware, Phil tuvo la oportunidad de probar suerte en el cómic con la miniserie Comic Book Paaarty, un proyecto personal independiente de tres números de duración.
Como curiosidad, Phil fue la “inspiración” que sirvió a Natasha Allegri para crear a Phil La Cara, un easter eggbastante recurrente en la serie fácilmente reconocible por sus gafas, labios turgentes y un rostro lleno de pelos dispersos. Pese a su ausencia, el equipo continúa imprimiendo el mismo estilo a los créditos de cada capítulo, mientras él trabaja para Disney en la serie Gravity Falls sin perder el contacto con sus antiguos compañeros.
Nacido a finales de los setenta, Thomas Herpich es el último de una dinastía de artistas con residencia en Coneticut. Junto a su hermano gemelo Peter, Thomas creó un basto universo de ciencia ficción a base de bocetos, diseños y garabatos repartidos en páginas por toda su casa. El óleo corría por su sangre y los lápices pegados a sus dedos.
La formación artística profesional de Herpich fue una odisea digna del guión de una película indie en la que empezó formándose como animador en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, y que tras tantear con el cómic por mediación de James Jean le llevó a una hermética comunidad de Carolina de Norte donde descubrió una forma de vida ajena al frenesí consumista de la Gran Manzana. Decidido a retomar su carrera, Herpich volvió a las trincheras dejando por el camino los cómicsCusp (en el que recopilaba varios trabajos realizados durante su formación académica), Gongwanadon (un juego metatextual de ciencia ficción en torno a la paradoja) y su aportación en varios álbumes del Meathäus de Jean.
Con un estilo mucho más perfilado, Herpich entró a formar parte de Hora de Aventuras para ayudar a Ward con el guión y los storyboards de La Ciudad de los Raritos, y desde entonces ha sido un miembro fundamental del equipo. Participando en la elaboración de episodios como Sus Padres, Guardianes de la Luz Solar o BMO Noir, Herpich tomo parte en la carrera a los Oscars con el capítulo Gracias y fue nominado a los premios Emmys con Demasiado Joven.
Haciendo sus pinitos musicales con la canción Melons, Herpich ha continuado paralelamente con su carrera en el noveno arte publicando a lo largo del pasado año el cómic de fantasía experimental White Clay, una compilación de cuatro relatos que engloba desde a Kafka hasta calderos mágicos y que ha tenido una calurosa acogida por parte de la crítica. Considerando que cada una de sus aportaciones al cómic ha sido producto directo de sus inquietudes y angustias personales en momentos clave de su vida (desde el frenesí caótico de Gongwanadon hasta el constante fantasma de la soledad en la última), Herpich cita a Frank Thorne, Werner Herzog, Franquin, Tony Salmons, David Foster Wallace y Fernando de Felipe, pero dice no tener una influencia directa más allá del empuje de su profesor James McMullan.
Considerando un reto el compaginar sus trabajos más personales con la serie, Herpich destaca lo gratificante que ha sido formar parte del equipo de Hora de Aventuras y lo mucho que le ha ayudado para madurar su estilo. Echando únicamente en falta poder usar palabras malsonantes en relación con sus novelas gráficas, el artista prosigue planteándose su futuro considerando la posibilidad de crear un proyecto propio.
Antes de incorporarse al equipo de Hora de Aventuras en la segunda temporada, Jesse Moynihan había conseguido ganarse cierto renombre en las redes gracias a su webcomic Forming. Descrita como una amalgama entre la obra de Fletcher Hanks y Steve Ditko con el lenguaje de Eric Cartman (Zack Smith dixit), se trata de una surrealista epopeya que bebe de la mitología clásica, y donde personajes como Mithras, Lucifer, Adam y Eva o los Titanes se conjugan de las formas más imposibles y extravagantes.
Todo empezó como cierta fascinación por los lugares comunes de los mitos y credos universales a raíz de los trabajos de Joseph Campbell, y acabó derivando en su búsqueda de crear un visceral mundo visual repleto de ciencia ficción desmadrada en la línea de lo que J.R.R. Tolkien creó con el Similarion. Con una cantidad obscena de persponajes y líneas argumentales abiertas, este universo personal con varios años de vida sirve a Moynihan para mantener su arte en constante evolución, teniendo como principal referencia los trabajos de maestros como David Mazzucchelli, Dash Shaw o la dupla formada por Christophe Blain y Louis Trondheim (La Mazmorra).
Su debut en en la serie tuvo lugar en el episodio Los Cristales Tienen el Poder, donde su partícular imaginería visual podía palparse casi desde el minuto inicial. Tras este, Moynihan se ha encargado de alguno de los capítulos más extraños de la serie, incluyendo Muerte Florida, El Rey Silencioso o El Límite. Junto a Herpich, fue nominado a los Emmy por Demasiado Joven, donde darían vida al esperpéntico Conde de Limonagrio (por el que ambos guardan un gran cariño). Su implicación en la serie llega a tal punto, que durante la confección de episodios como La Princesa Fantasma o Hijos de Marte acabaría introduciendo aspectos personales de su vida en la trama de los mismos.
El día a día de Jesse consiste en los sotoryboards de Hora de Aventuras y sus tiras web semanales, sin encontrar apenas tiempo para aficiones como grabar música o ver episodios del Doctor Who. Para cada episodio de once minutos, Jesse y su compañero de trabajo reciben dos o tres páginas con el argumento central que posteriormente deben transformar en 200 páginas con dos viñetas con diálogo y las indicaciones cinemáticas, en el transcurso de dos semanas.
Tras ser revisadas por los guionistas y el resto del equipo artístico durante dos ocasiones, dedican las dos semanas siguientes al acabado de los dibujos, perfilado del diseño de personajes y demás, con todos los cambios y rectificaciones que puedan desarrollarse a lo largo del proceso. Moyniham también ha participado en parte del arte promocional de la serie y forma parte de la banda conceptual Make a Rising. Su experiencia en el campo de la música le permitiría componer Journal Song en El Armario de Marceline, y actualmente intenta sacar tiempo para llevar a cabo un proyecto personal junto a su hermano.
Residente en Los Ángeles, Ako Castuera es una artista multidisciplinar cuya obra tiene como principales temas comunes la naturaleza, la humanidad y los dinosaurios. Pintora, escultora, escritora, tejedora y -básicamente- cualquier cosa que involucre expresarse a través de las manos.
Con un estilo colorido y naturista, siempre abierto a la improvisación y el cambio, su contribución a Hora de Aventuras comenzó al final de la primera temporada con El Picatripas tras un par de años como parte del equipo de la gamberra Metalocalipsis. Desde entonces, Ako Castuera ha estado vinculada en su trabajo para la serie con Tom Herpich y Jesse Moynihan dando forma un trinomio imprescindible para la misma.
Episodios como El Cuentacuentos, Ven Conmigo, Que nadie te escuche o Hijos de Marte han sido fruto de la colaboración entre los tres, demostrando el peso de la conjunción de un ecléctico elenco de artistas en el resultado final. Ako dice encontrar su principal fuente de inspiración en su pareja (el dibujante Rob Sato) así como en el entorno que les rodea.
La tétrica belleza del desastre ecológico que es la vida en el sur de California es una de las constantes capitales a través de su obra, donde las casas y carreteras no solo representan una promesa de vida para la clase media a la que ella misma pertenece, sino también heridas abiertas sobre el cadáver de un medio víctima de la depredación humana, salpicado con miseria y esclavitud hipotecaria. La artista gusta de representar elementos cotidianos a través de dinosaurios telúricos no solo como algo divertido, sino que para ella representa el entendimiento infantil de temas como el pasado, la extinción y la incertidumbre de nuestro futuro.
No imponiéndose más límites que los de su propia imaginación, Castuera improvisa constantemente a la hora de buscar nuevas vías mediante las que plasmar la relación entre el hombre y la tierra. En ese sentido, los materiales y las herramientas empledas son cuestiones importantes a la hora de obtener el resultado buscado, dejando que la textura y características de estos dejen su propia huella en la obra final.
Como ya expusimos en el capítulo introductorio del texto, el escenario en el que se desarrollan la serie es una parte fundamental del encanto de la misma. Aunando el febril encanto de un luminoso mundo repleto de color y criaturas ridículamente absurdas, con un oscuro trasfondo que amenaza con salir a flote, la mayoría de ellos son creación del artista Dan James, también conocido como Daniel Bandit y que está al frente el equipo de diseño gráficoGhostshrimp.
Tras colaborar junto a Ward en Las Maravillosas Desventuras del Capitán Flapjack, Ghostshrimp se sumaría al equipo de Hora de Aventuras, siendo un miembro capital del equipo creativo prácticamente desde el comienzo de la serie. Al frente de su propia compañía, Dan James ha trabajado en televisión revistas, magazines, posters, cubiertas de álbumes musicales y un largo etcétera de formatos, llegando a afirmar de forma jocosa en su web que es muy probable que todos hayamos visto algún trabajo suyo aunque no supiesemos que lo era.
Afincados en Nueva Inglaterra, su estilo combina un gran número de técnicas analógicas y digitales, siendo responsable de crear los singulares mundos en los que se desarrolla la serie. Sintiéndose especialmente orgulloso del fuerte-árbol, la ciudad de los ladrones, el océano desierto o el campamento hobo de la Princesa del Espacio Bultos entre otros, su singular trazo con rasgos tribales resulta realmente absorbente, por lo que os recomendamos que le echéis un ojo a su web personal
Según palabras del propio Ward, recurrió al artista y su equipo porque no tenía ni idea de como hacer fondos y quería que la serie pareciese algo más desarrollado que el ejercicio de pre-escolar que aparentaba ser el corto inicial. Con su suma al equipo, Ward quería que los fondos se convirtiesen en un mar de elementos que narrasen una historia por si mismos, para satisfacer a todos esos críos ávidos de detalles, capaces de apreciar hasta el más ínfimo elemento de un fotograma cuando algo les gusta.
Junto a Ghostshrimp, Santino Lascano ha sido el otro gran responsable del desarrollo de los fondos que dan forma a los extraños parajes en los que viven sus aventuras Finn y Jake. Junto a ellos, los coloristas Martin Ansolabehere y Sandra Calleros han sido fundamentales a la hora de conseguir el resultado final. Sin su habilidad para crear atmósferas envolventes y lugares mágicos en los que se desarrolla la serie, Hora de Aventuras no sería lo que conocemos hoy.
La música es otro de los aspectos más identificativos de la serie gracias al difícilmente clasificable trabajo deCasey James Basichis y Tim Kiefer. El primero comenzó su carrera como técnico de efectos especiales enIndustrias Light and Migic (contribuyendo en películas como Piratas del Caribe, La Joven en el Agua o Las Crónicas de Narnia), mientras que Kiefer es un DJ y percusionista que se describe a si mismo como un nerdy & dirty beats, y cuyas composiciones parecen estar fuertemente influenciadas por la música electrónica de videojuegos de los noventa.
Desde 2007 ambos conforman la banda de pop conceptual Casey James & the Staypuft Kid, dando forma al aspecto sonoro de la serie desde que Ward realizase el corto original de Hora de Aventuras. Fieles a su formación en la música experimental electro-acústica y a su amor por los ideales expresionistas de la edad dorada del modernismo, el dúo se caracteriza por usar elementos cotidianos y sonidos musicales de su entorno para dar vida a sus singulares creaciones.
Actualmente colaboran con War en la serie protagonizada por Finn y Jake así como su trabajo web Bravest Warriors, mientras llevan a cabo los más excéntricos proyectos personales. A la hora de componer la música, los artistas tienen en cuenta los personajes y los temas centrales de cada episodio, creando un conjunto de sonidos a los que luego intentan dar forma abstrayéndose para organizarlos y dar forma a un conjunto con el que potenciar los principales aspectos de la trama y el diálogo. En la cuenta de Kiefer en cuya cuenta en Souncloud podéis encontrar algunas de las piezas que contribuyen hacer de la serie un producto tan especial.
Andy Ristaino compartió clase junto a Seth McFarlane (Johnny Bravo, Padre de Familia, American Dad…) durante sus años como estudiante en la Universidad de Diseño de Rhode Island sin imaginar que él mismo acabaría formando parte del equipo de una serie de animación de culto. Parte de los responsables del diseño de personajes desde las primeras temporadas de la serie, Ristaino ocuparía el lugar de Phil Rynda siendo el responsable de dicho departamento desde la marcha del mismo.
Entre los personajes creados por Andy se encuentran el Dios de la Fiesta, el Tartero Real u otros muchos de los bizarros seres que se cruzan en las aventuras de Finn y Jake. Heredando la labor de Rynda a cargo de las cartas de presentación de la mayoría de los episodios desde segunda temporada, Ristano es otro de los grandes enamorados del cómic del equipo, realizando no pocos acercamientos al noveno arte.
Participando en antologías como Popgun o Meathaus, entre sus creaciones personales tiene los cómics Escape From Dullsville, The Babysitter o La Vida de un Feto. Ristano incluso ha llegado a colaborar en el Prophet de Brandon Graham, dedicando todo el tiempo que no está trabajando para la serie a dar vida a sus propias viñetas.
Buena prueba de ello fue la colección de monstruos que dibujó para el Toronto Comic Art Festival (parte de los cuales encontraréis en esta entrada en Hi Fructose). Siempre jugando con la abstracción, las irreales y fluidas figuras de Ristano parecen contar historias sobre los personajes que surgen de sus lápices. Cada año, el artista se propone como reto dedicarse a un único tipo de personajes en su tiempo libre, ya sean habitantes del futuro, criaturas o -durante el presente 2013- robots.
En lo que al traslado de los storyboards a su forma animada respecta, la serie cuenta con un amplio equipo distribuido en dos continentes. Si terminar las 200 páginas que componen los bocetos de cada episodio requiere varias semanas, imaginad lo que puede suponer dotarlos de vida para que esten listos para ser emitidos semana tras semana.
Esto requiere un ingente elenco de personas, parte de los cuales se ocupan de los acabados finales y otros que colaboran de forma estrecha con los el resto del equipo creativo para facilitar el traslado de un formato al otro. En total, el equipo de Hora de Aventuras está compuesto por cerca de un centenar de personas, con más de una treintena en el equipo residente y el resto en varios equipos de animación situados en corea. Dentro de estos últimos, tenemos al prestigioso Rough Draft Studios (creador de series como Futurama o Napoleón Dymamite) y el estudio Saerom (Flapjack). También contribuye lo suyo el coreano Studio Spiyo y su director creativo Bert Youn.
Bert ha participado de forma activa en los guiones de varios episodios de la serie, siendo su principal especialidad las caras extrañas que en ocasiones lucen los protagonistas. Su contribución a Hora de Aventuras es una buena muestra de que los roles dentro de la serie no siempre están completamente definidos y que labores como guiones o storyboards están repartidos entre varias facciones del equipo.
De esto también sabe el veterano Somvilay Xayaphone o Skyler Page, una de las más recientes incorporaciones al staff de la serie quien ya venía dando muestras de un gran talento desde antes de concluir sus estudios universitarios. Recibiendo luz verde por parte de Cartoon Network para llevar adelante un nuevo proyecto personal bajo el título Clarence, aquí tenéis una muestra de sus primeros pinitos en la materia:
Nacido a mediado de los ochenta, Ian Jones Quartey se sirvió del auge de las redes a finales de la década de los noventa para mostrar sus creaciones al mundo mediante el webcomic RPG World. Manteniéndolo activo durante algo más de un lustro, se trataba de una sátira de los juegos de rol con un estilo marcadamente amerimanga y la saga Final Fantasy (algo a lo que jugaban vuestros abuelos cuando pequeños) y otras grandes referentes del género como principal material paródico, mientras se cebaba de manera cómplice a costa de todos aquellos gamers que -como él- habían crecido entre interminables tardes de videojuegos.
Recibiendo varios galardones por parte de los especialistas del medio, alentando a Ian a experimentar con las posibilidades del formato de tira web, aplicando técnicas como la mezcla dePhotoshop con la narración a través de fotografías. Dejando de lado sus creaciones personales para las redes, el artista se zambulliría en el mundo de los comerciales animados realizando trabajos como el corto Beehive para la compañía de televisión Charter Communications y alguna que otra creación personal.
Durante esta época tendría especial importancia su dedicación al proyecto personal nockFORCE, donde se ocuparía de guión, animación y dirección, desarrollando su dominio del medio. Desde entonces, Quartey ha participado en la elaboración de numerosos cortos ajenos como El Arca de Bob de Wendy Rubin, Singles de Rebecca Sugar (ver en la sección dedicada a la artista) o el videoclip One Time We Lived de Moby. Tras ser director artístico de las series SuperNormal y Venture Bros. y colaborar como parte del elenco artístico de Secret Mountain Fort Awesome, Ian se sumaría al equipo de Hora de Aventuras. Desde entonces ha ejercido como supervisor de storyboards para la serie de Finn y Jake, rol que desempeña desde la segunda temporada.
Madurando su estilo para hacerlo más próximo al cartoon americano de toda la vida en una línea vagamente parecida a la de Brian Lee O’Malley (sin abandonar su personalidad propia), Ian continúa colaborando con Pendleton Ward en proyectos como la serie web animada Bravest Warriors (donde da voz a Wallop) y otros cortos web mientras forma parte del equipo del nuevo proyecto animado de Rebecca Sugar.
Algo similar es aplicable a la dibujante Michelle Xin, diseñadora de personajes responsable de dar vida a numerosos de los extraños seres que pueblan el universo de Hora de Aventuras, así como vestuario, semovientes y otras misceláneas. Natural del condado de Burbank, Xin se trasladó a California para formarse en la facultad de Bellas Artes (la CalArts, cuna de aprendizaje de muchos de los responsables de la serie) no tardando en destacar entre los compañeros de su promoción.
A su tercer año en la universidad, la artista comenzaría a realizar sus primeras experimentaciones en el campo de la animación con los cortos Footprints y Sunguy, logrando que los medios especializados se fijasen en ella gracias a la pronta virulencia con la que se extendieron por las redes. Xin también realizaría sus flirteos con el cómic, siendo otro de los miembros del staff de la serie que contribuyeron en la revista Meathaus, a la par que se atrevía con sus propias creaciones en la forma de un relato corto sobre una pareja de periodistas que seguía la pista de un hombre con culo de cara de gato.
Sin dejar de lado sus labores de apoyo a la comunidad, la artista lleva formando parte del equipo de Hora de Aventuras desde mediados de la tercera temporada, y aunque su labor no siempre es tan llamativa como la de otros de sus compañeros, es otra muestra más de como la serie mima hasta el más mínimo detalle del resultado final. Como Rynda y Ristano, Michelle también ha ocupado de los títulos de presentación de varios episodios.
Una de las más recientes incorporaciones al equipo gráfico de la serie ha sido el canadiense Steve Wolfhard, artista originario de Toronto con una gran afición por los juegos de mesa y su rollizo gato Haircut. Felizmente casado con una profesora de piano con la que comparte sus aficiones, Wolfhard descubrió su pasión por la subcultura tras aterrorizarse con El Regreso de los Muertos Vivientes cuando todavía era un crío.
Wolfhard describe su propia infancia como la de un niño regordete y nerd con una intensa fijación por los monstruos. Afectado irremediablemente con el mal del dibujo, todo el tiempo que no dedica a sus creaciones artísticas se ve limitado a dormir, mirar fijamente y preocuparse. De esta vocación surgirían una ingente cantidad de material gráfico que con el tiempo daría pie a los primeros pinitos como el cómic con obras como la colección de tiras personales Turtie Needs a Job o Cat Rackham. Junto a John Kloepfer daría vida a la saga The Zombie Chaser, un divertido cómic plagado de humor absurdo en el que un grupo de chavales intenta salvar al mundo de una plaga de muertos vivientes.
Tras hacer sus primeros pinitos en el campo de la animación con el documental Citizen Black y la serie The Super Popular Show, Steve fue diseñador de personajes para shows animados como Pucca o Kid Vs Kat. Su labor en estos trabajos le llevarían a entrar en la esfera de Hora de Aventuras, debutando como parte del equipo destoryboards en la cuarta temporada con el episodio El Rey Gusano. Dejando buena muestra de su globosaimaginería visual, Wolfman ha sido promovido como una de las principales apuestas de futuro de la serie, colaborando junto a Tom Herpich en numerosos episodios de la quinta temporada. Aficionado a Minecraft, no ha podido evitar volcar parte de sus horas dedicadas al popular videojuego en algunos de ellos.
Afincado en Nueva York, el dibujante Aleth Romanillos ha sido otro de los recientes descubrimientos de la serie. Con un vívido trazo capaz de llenar de energía todo lo que dibuja, los lápices todoterreno de Romanillos no parecen conocer limitación de género o estilo alguna como bien demuestra esta selección de trabajos mostrada por Comics Alliance.
Desde los clásicos de la animación hasta los videojuegos, pasando por los superhéroes de toda la vida o las creaciones propias, no hay nada que se resista al brío de su dibujo. Esto le llevaría a ser reclutado como reviosionista de storyboards en Hora de Aventuras. Y aunque lleva siendo parte del staff de la serie desde un tiempo relativamente corto en comparación con otros de los citados, nos parecía un sacrilegio privaros de sus talentoso arte.
Aleth también ha participado en la elaboración de las portadas de los cómics dando vida a un puñado de pin upsque dejan buena muestra de su poderío gráfico, y con él terminamos nuestro repaso a los artistas que han permitido que la serie se convierta en el fenómeno que es hoy. Disfrutad de su arte, así como del resto de sus compañeros.
Estos solo han sido parte de los miembros que han formado parte de un dispar elenco gracias al cual la serie de Pendleton Ward se ha alzado como una de las creaciones animadas más imaginativas y contagiosas de la actualidad. Durante sus cinco temporadas (110 episodios en dos años y medio de emisión) Hora de Aventuras ha contado con la colaboración de grandes nombres del campo de la animación como Thurop Van Orman (Las Maravillosas Desventuras del Capitan Flapjack), JG Quintel (Regular Show) o el comediante Steve Little.
Artistas como Elizabeth Ito, Armen Mirzaian, Pete Browngardt, David C. Smith, Luther McLaurin o Niki Yang han formado parte de su equipo creativo, haciendo del último filón de oro de Cartoon Network y Frederator Studios un producto coral fruto de varios una conjunción única de talentos.
La leyenda dice que un guardián espectral fue invocado a través de una extraña flauta con el fin de proteger la ciudad de Misthallery en los momentos de necesidad. Esa misma leyenda consiguió que el profesor Layton se desplazara a dicho lugar hace años, produciéndose así el primer encuentro entre Layton y Luke.
